HAN SOLO: UMA HISTÓRIA STAR WARS (Solo, A Star Wars Story / 2018) - E chega mais uma aventura da saga mais importante do cinema. Um spin off apenas, é verdade... mas ainda assim mais um filme, uma história que promete entregar mais detalhes dos personagens e das situações do passado do faroeste espacial de Star Wars. Desde a pré produção Han Solo sofre com duras críticas de fãs e não fãs da saga sobre a escolha dos atores, o roteiro e até mesmo questionaram o motivo de se fazer um filme de origem sobre um dos personagens mais queridos do universo Sta Wars.
O elenco principal e os os dois diretores que iniciaram o projeto
A história mostra o jovem Han Solo (Alden Ehrenreich) em suas primeiras aventuras vivendo em uma época (e planeta) onde combustível vale ouro. Ele tem um Kira (Emilia Clarke) uma parceira amorosa e companheira também de pequenos escambos . Lando (Donald Glover) não poderia ficar de fora dessa e claro Chewbacca mostra toda a sua força de wookie. O quadro está montado. Mas ainda tem espaço para Beckett (Woody Harrelson) que assume um papel de espécie de mentor de Solo, além de Dryden Vos (Paul Bettany) como um dos vilões do filme.
SPOILERS
E digo "um dos vilões" porque na verdade Han Solo tem vários. Na verdade todos são vilões em algum momento da trama. Uma boa ideia bem feita e bem realizada pelo roteiro de Lawrence Kasdan, o mesmo dos episódios VI e VII. Han Solo tem muitas cenas de ação que dão um movimento interessante e incensante à trama. Nada marcante ou inesquecível. Na verdade muitas cenas são homenagens ou cópias mesmo de outras saídas utilizadas nos demais filmes da saga, como escapar de um bichão cheio de dentes em uma caverna ou combater os caças imperiais com o canhões de tiro da Millenium Falcon, entre outras. Mas mesmo assim são sequências que ditam o ritmo de boa parte de Han Solo.
Parceiros na Millenium Falcon
O filme também presta, de certa forma, para corrigir erros ou imperfeições em outros filmes da saga - como a importância dada à correntinha que Han exibe à todo momento no começo do filme - item que já tinha aparecido no episódio VII e VIII. Isso sem falar na aparição intrigante, pra dizer o mínimo, de outro personagem muito relevante para a saga como um todo. E sem falar também na não aparição de Jabba. Dois belos ganchos para uma continuação de Han Solo. Será?
Kira, o interesse amoroso de Han
Inverter falas clássicas dos filmes originais também estão aqui. O famoso "eu te amo" seguido pelo "eu sei" entre Han e Léia nos episódios V e VI é substituído por "eu te odeio" e "eu sei" entre Han e Lando. "I have a bad feeling about this" agora é "I have a good feeling about this". São pequenas pérolas que deixam o roteiro inteligente e com um bom molho.
FIM DOS SPOILERS
O Han Solo de Ehrenreich dá conta do recado. Sim. Entrega aquele lado divertido, canastrão do Han de Ford. Mas claro, o objetivo não é substituir Han de Ford, de maneira nenhuma. Tudo serve como uma boa homenagem e Ehrenreich faz tudo muito bem. A edição, talvez, tenha lhe cortado alguns momentos sem fala em que ele poderia ter desenvolvido melhor caras e bocas, mas tudo bem. Nada que comprometa.
Solo e Chewbacca
Glover está excelente, embora seu Lando tenha menos espaço no filme que merece. Ele está canastrão na medida. Alguém para se confiar desconfiando. Assim como praticamente todos os personagens principais de Han Solo.
Partidinha de Sabacc
O problema de Solo está no ritmo. Na parte final tudo é muito corrido, acelerado. A impressão que fica é que tiveram que cortar uns bons minutos e preferiram tirar da meia hora final. Sem padrão. Essa aceleração compromete o ritmo, mas não estraga a experiência. Han Solo é leve, divertido e engraçado na medida. Não é maravilhoso ou imprescindível para a saga, mas não precisa, não tem essa pretensão. Funciona e entrega o que promete, e é o que basta.
Veja abaixo o trailer de Han Solo: Uma História Star Wars.
PROJETO FLÓRIDA (The Florida Project / 2017) - "O maravilhoso mundo da Disney", como diz o próprio slogan do lugar, pode não ser tão maravilhoso assim. Pelo menos para algumas pessoas que vivem à margem daquilo, nas proximidades dos parques que recebem diariamente milhares de turistas vindos do mundo inteiro. A ideia do roteiro de Projeto Flórida - que aliás é o nome como o parque era conhecido no começo de tudo - é justamente mostrar essas pessoas que vivem à margem.
O foco do filme é um grupo de crianças de cerca de 7 anos que vive em um hotel popular de beira de estrada. Tecnicamente, segundo o diretor Sean Baker, elas são sem-teto, já que seus pais não conseguem viver em casas próprias. Os dias passam quase sempre iguais, com as crianças andando por ali, aprontando pequenos delitos - como cuspir em carros ou invadir casas abandonadas - enquanto seus pais - pobres e sem condições - vivem de bicos ou trabalhos que pagam muito pouco.
Willem Dafoe é o zelador do prédio e enfrenta os problemas criados pelas crianças problemáticas e suas mães e pais. Destaque para Moonee e sua mãe, a ex-presidiária Halley, que vê na prostituição a única saída para levantar um dinheiro extra e pagar o "aluguel" semanal do quarto. O personagem de Dafoe se compadece com a história e alivia a barra da família.
Mas tudo é visto pelo ponto de vista da pequena Moonee, por isso o plano de câmera escolhido é sempre baixo. Somos convidados a ser uma outra criança vivendo aquelas errantes vidas. Assim como o próprio Baker que se interessa pelas histórias que são varridas para baixo do tapete, como a desses americanos que vivem na linha da pobreza bem ao lado do "mundo maravilhoso da Disney".
O interessante de Projeto Flórida é que todo o trecho final, logo após uma sequência emocionante sobre o drama de Moonee, é gravado com iphone. Isso tem um propósito, algo que o próprio Baker usou em filmes anteriores. Aqui, eu vejo assim, representa a imaginação dos personagens, nada daquilo aconteceu de verdade.
Projeto Flórida apresenta, em contraste com as fortes cores das construções locais, uma história triste. Um drama familiar pautado em crianças que passam os dias vazios imaginando como seria fazer algo que elas não tem perspectiva ou dinheiro algum para realizar.
O CORVO (The Crow / 1994) - A fama de um filme pode vir de muitas maneiras diferentes, mas nem sempre por uma coisa boa. Pode ser por um cartaz atrás de uma cortina - que alguém imaginou que seria um fantasma -, pode ser por uma cena de sexo forçada armado pelo ator e diretor e sem consentimento da atriz - e tantas e tantas maneiras diferentes. No caso do O Corvo a fama veio por uma tragédia.
Brandon Lee
A história, baseada numa HQ de muito sucesso do final da década de 80, gerou uma série de outras HQs, quatro filmes e até uma minissérie de TV. O personagem principal é Eric Draven, um integrante de uma banda de rock gótico que acaba sendo assassinado junto com a noiva depois de ter a casa invadida por uma gangue local.
A violenta gangue local
Eric é trazido do mundo dos mortos por um corvo e - mesmo morto - assume uma personalidade violenta ao buscar vingança contra cada um dos membros da tal gangue. No percurso ele conta com a ajuda de algumas pessoas que não se assustam com a presença de Eric, como um policial e uma garotinha que era sua amiga quando vivo.
A garotinha, amiga de Eric Draven
Basicamente o filme é isso. Mas a repercussão do filme só foi tão grande devido ao assassinato - por acidente - de Brandon Lee, ator que interpretava Eric. Em uma cena foram usadas balas de verdade ao invés das de festim. Brandon foi atingido e morreu aos 28 anos. A cena da morte foi destruída pelo estúdio, nada sobrou dela. Michael Massee, o ator que atirou e matou Brandon Lee, ficou anos afastado do cinema e acabou morrendo em 2016.
Massee, como Funboy
A tragédia de Brandon é a segunda na família. O pai, Bruce Lee, também morreu jovem e de forma estranha. A versão oficial diz que seu corpo rejeitou um medicamento para dor de cabeça que ele vinha tomando há algum tempo. Um edema cerebral foi diagnosticado e Bruce perdeu a vida aos 32 anos. Pela internet uma série de outras causas contrariam esta.
Bruce em seu último filme
A triste coincidência no destino de pai e filho marcou as duas carreiras e por consequência seus últimos filmes - Operação Dragão, no caso de Bruce, e O Corvo, no caso de Brandon. Várias cenas deste último tiveram que ser refilmadas, usando um dublê e computação gráfica, que apesar de não ser tão avançada quanto a de hoje, são de excelente qualidade. Ao assistir O Corvo é quase imperceptível quando Brandon está em cena ou quando ele é substituído por um dublê ou pela computação.
Difícil saber quando é dublê, computação ou o próprio Brandon
A cena inicial do filme - toda em flashback - foi uma maneira que os produtores encontraram para mascarar a cena real onde Brandon é assassinado. A tortura que a gangue promove no apartamento do casal substitui a outra, onde a sua noiva no filme, teria sido estuprada, culminando na morte do personagem e consequentemente do ator.
Brandon, ao meio, no set de O Corvo
Um triste fim para um ator que poderia ter uma carreira longa. Dizem até que ele estava cotado para interpretar Coringa em um filme do Batman.
Veja abaixo o trailer de O Corvo.
CONSPIRAÇÃO E PODER (Truth / 2015) - George W. Bush é um presidente que mexeu com os ânimos dos norte americanos quando foi eleito e reeleito. O republicano era considerado incapaz de assumir o cargo por boa parte dos eleitores. Muitos afirmam que o seu QI sempre foi baixo. Michael Moore por exemplo sempre teve em George W. Bush o seu maior alvo. Conspiração e Poder segue o mesmo caminho.
Tapinhas nas costas
A história real de Conspiração e Poder se passa em 2003, ano anterior à reeleição de George W. Bush. Mary Mapes (a sempre ótima Cate Blanchet), vive uma jornalista, produtora e editora do "60 Minutes", o jornalístico de maior credibilidade dos Estados Unidos. E reúne uma equipe para investigar um fato que mudaria a história daquela eleição - George W. Bush, ainda quando servia as Forças Armadas teria sido favorecido ao não se apresentar para o serviço por 1 ano e ainda ter "fugido" do Vietnã, onde deveria servir.
Mapes e Dan antes de gravar o 60 Minutes
Assim que Mapes colocou a história no programa especialistas apareceram na TV, internet e radio para dizer que tudo não passa de uma invenção da jornalista. Os documentos que comprovavam a história, segundo eles, eram falsos. Para evitar uma grita maior a CBS, emissora do "60 Minutes", resolveu desmanchar a equipe e evitar que eles continuassem com as investigações. Destaque para Robert Redford que vive Dan Rather, o apresentador experiente do noticiário e que é como um pai para Mapes. Respeitado e dono de marcas copiadas no telejornalismo norte americano.
Toda a equipe na sala de edição
Nesse ponto a história foca no drama de Mapes. A mulher durona desmorona quando a relação que antes era só profissional, passa a ser pessoal a partir do momento que a imprensa em geral passa a investigar tudo na sua vida, até mesmo suas crenças políticas. E chega finalmente ao pai dela, a sua maior ferida. Ele batia nela quando criança pelo simples fato de fazer muitas perguntas. O processo judicial se arrasta, mas não impede que George W. Bush vença a reeleição. Coube a Mapes escrever o livro "Truth and Duty: The Press, The President and the Privilege of Power" que originou o filme escrito e dirigido por James Vanderbilt. A sua estreia nas telonas.
O casal real e o fictício
Impossível não fazer comparações com Spotlight, o vencedor de Oscar de melhor filme em 2016. Lá a equipe está mais bem resolvida na história, dá pra acreditar naquela equipe. Aqui, nem tanto. Foca mais no drama de Mapes. Lá a vitória do jornalismo investigativo, aqui a derrota.
Repercussões negativas
Um filme sobre o poder do jornalismo investigativo, que não precisa surtir efeito - nesse caso Bush se reelegeu - mas é importante para mostrar que tem muita lama correndo por aí. E que essas histórias precisam chegar às pessoas. Mesmo depois de anos para saber que nem tudo o que é lido, escrito, publicado e mostrado na TV é verdade. Cada história tem muito mais do que apenas dois lados.
GAROTA, INTERROMPIDA (Girl, Interrupted - 1999) - Susanna Kaysen é uma escritora de poucos livros. Até hoje, beirando os 70 anos, foram cinco publicados. O de maior sucesso é o único biográfico - Garota, Interrompida. O título é inspirado em uma pintura de 1660 que mostra uma garota incomodada por ter sido interrompida enquanto compunha uma canção ou lia uma partitura.
O livro de Kaysen fez bastante sucesso e pouco tempo após publicado, em 1993, teve os direitos adquiridos por Winona Ryder que produziu o longa metragem, lançado em 1999.
Winona interpreta a própria Kaysen, uma jovem deprimida e desconectada do mundo nos anos 60. Ela tenta se suicidar com uma mistura de vodca e comprimidos. Os pais, preocupados, internam Susanna numa casa de repouso. Mas ao chegar ela percebe que trata-se na verdade de um manicômio.
O local só tem meninas - uma que botou fogo no próprio corpo, outra que fica ninando uma boneca como se fosse sua filha, outra que mente compulsivamente, outra que fica como estátua olhando pro vazio o tempo todo, etc. Susanna se assusta e afirma não pertencer aquele lugar. O quadro de enfermeiros, comandados por Valeria (Whoppi Goldberg) passa a fazer jogo duro. Algo como o vivido por Randle (Jack Nicholson) e a enfermeira Ratched (Louise Fletcher) em Um Estranho no Ninho.
Susanna se assusta mais com Lisa (Angelina Jolie, simplesmente sensacional), uma interna com sérios distúrbios psicóticos. Ela é a líder das outras internas, não respeita as leis do lugar, e tem um olhar simplesmente insano. Poucas veze Jolie esteve tão bem em uma personagem, não é à toa que a atriz levou o Globo de Ouro e o Oscar pela atuação.
Aos poucos Susanna se acostuma com o lugar, mesmo tendo pouco contato com o mundo externo e com a companhia das demais internas. O namorado dela, vivido por Jared Leto, tenta levá-la embora, mas ela recusa e diz pertencer àquele lugar.
Diagnosticada com transtorno de personalidade, Susanna evolui no tratamento apenas quando fica distante de Lisa, o que acaba acontecendo com frequência quando a interna violenta dá as suas escapadas, ficando semanas fora. Nesse período, Susanna se entrega à escrita, dedicando seu tempo à escrever suas memórias, que depois viraria o livro.
Garota, Interrompida, dirigido por James Mangold - o mesmo de Johnny e June e Identidade - é ótimo. O diretor soube encontrar o limite do dia a dia de um hospital psiquiátrico, sem cair em caricaturas. Grande parte ao excelente trabalho das jovens atrizes, como Brittany Murphy e Clea DuVal, por exemplo. Mas o destaque, acima de tudo, é para Angelina Jolie, que repito, está incrível no papel de Lisa. Daquelas interpretações que valem o filme.
AMANTE A DOMICÍLIO (Fading Gigolo / 2013) - Como uma homenagem à Woody Allen. É o jeito, e talvez o único, de se analisar Amante a Domicílio. O filme respira Woody em todas as cenas. Desde o ambiente - Nova York -, passando pela trilha sonora - com jazz e músicas similares o tempo todo - e fechando, é claro, no confronto de religiões - tendo os judeus como principal alvo. Está tudo aí, só se inverteram as cadeiras. Em Amante a DomicílioWoody assumiu a posição de mero ator, John Turturro assinou o roteiro e a direção, aqui a sua quarta.
Os amigos de longa data Fiovarante (Turturro) e Moore (Allen) estão à procura de algo novo para o primeiro fazer já que a livraria da família em que trabalha será fechada e o atual emprego como floriculturista não lhe dá perspectivas melhores. Moore volta com a ideia perfeita, sugere se tornar um cafetão do solteiraço Fiovarante.
O primeiro programa acontece com a dermatologista de Moore, vivida pela sempre linda Sharon Stone. O sucesso é grande, o dinheiro entra fácil. Então Moore faz o mesmo com as colegas dela e o negócio de cafetão acaba prosperando.
Isso até ele se apaixonar por uma das suas clientes - uma judia ortodoxa que não era tocada por um homem desde a morte do marido. Fioravante fica tão mexido com aquilo que não consegue mais realizar o "serviço". Aí o negócio acaba.
Clichês atrás de clichês... mas os problemas de Amante a Domicílio nem são só esses. Primeiro a começar por Turturro que, vamos combinar, não passa por amante profissional em nenhum lugar do planeta. Ainda mais quando arrebata clientes como Sharon Stone e Sofia Vergara. É uma baita forçação de barra aí.
O roteiro de Turturro, que assina também a direção, poderia ser bem mais desafiador. O tom de comédia romântica fácil sobrevoa o filme todo e até passa um certo ar de preguiça. Pô, não custava nada pedir ajuda para Allen, que é um mestre dos roteiros. Allen por sinal não é ator, mas seu Moore melhora depois de um começo inseguro nas primeiras cenas. É bom - para quem é fã - ver um Allen assim fazendo algo diferente do seu usual. Aqui ele não é apenas o cara inseguro, ele também faz papel de tiozão jogando beisebol no parque com uma criançada, por exemplo.
Turturro tentou mas não chegou nem perto das comédias de Allen. Faltou texto basicamente. Seria tão melhor se a dupla protagonista não fosse levada a sério pelas mulheres. Faria mais sentido. Mas não, tudo é levado muito a sério e aí... nada. Veja abaixo o trailer de Amante à Domicílio.
BOI NEON (2015) - Gabriel Mascaro está tentando cavar seu espaço no cinema nacional. O jovem pernambucano se especializou em documentários desde 2008 e acabou na ficção, mas não abandonou o passado. Muitas das cenas de Boi Neon - seu segundo longa de ficção e de longe seu filme mais premiado - são documentais. Chegou a levar até o prêmio de melhor filme no Festival do Rio. O auge? Mascaro foi eleito o melhor diretor por Boi Neon em um festival de Marrocos e recebeu a estatueta das mãos de Francis Ford Coppola. Bom começo hein?
Boi Neon conta a história de uma equipe que vive peregrinando no sertão de Pernambuco promovendo vaquejadas, festival muito popular em vários estados brasileiros onde uma das principais atrações é o momento em que dois cavaleiros derrubam um boi segurando-o pelo rabo. Iremar (Juliano Cazarré) é um dos vaqueiros que preparam os bois antes de entrar na arena.
Galega, mecânica e motorista de caminhão, é a única mulher adulta por ali. A sua filha Cacá também enfrenta o dia a dia naquele meio, embora viva de mau humor característico da pré adolescência. O pai dela abandonou a família e agora a criança fica colada à mãe ajudando na vaquejada.
Iremar de vez em quando, segue pro lixão da cidade recolhendo roupas, acessórios e até manequins. Tudo para ajudá-lo no seu maior sonho - se tornar estilista. Ele pega as revistas de mulher pelada de um amigo vaqueiro e lá desenha seus modelitos. O sonho de mudar de vida fica difícil com a rotina puxada. Mas ele acaba por se envolver com uma segurança de uma fábrica de tecidos e consegue entrar lá para conhecer o espaço. E... fim.
Pois é, Boi Neon pode ser premiado aqui e acolá, mas sofre de um grave problema - falta de história. Nada acontece. Os personagens não vão a lugar nenhum, apenas andam de lado e o filme, com isso, rasteja. As cenas de vaquejada, dos bois em preparo, da região toda de seca nordestina... claro, tudo é muito bonito, mas cinema não é só imagem, tem que ter roteiro e faltou aqui. E pior. Mascaro achou que seria interessante colocar umas cenas intensas de sexo e nudez sem cortes. Algo que não acrescenta absolutamente nada pra história e só atrasa o filme.
O que mais chama a atenção em Boi Neon é o fato de em um ambiente praticamente todo masculino um homem querer sair dali para fazer seu sonho se tornar realidade. Mas em nenhum momento, ele parece mesmo lutar por aquilo, parece mais na base do "se rolar rolou".
O filme nem chega perto de discutir essa escolha ou de pelo menos mostrar o personagem caminhando na sua decisão... nada. As fraquíssimas motivações de cada personagem caminham a passos de formiga e chegam no final do longa exatamente no mesmo lugar que começaram. Um desperdício enorme de um bom argumento. Pena.
PATTON - REBELDE OU HERÓI? (Patton / 1970) - Reconhecidamente um rebelde. De opiniões fortes e avesso à aparições públicas. Não media as próprias palavras, gostava de beber - se envolvendo inclusive em algumas brigas por conta disso. Em suma, era um cara difícil. Mas de muito talento. Tudo isso serviria para descrever George, seja Patton - o famoso líder do exército norte americano na segunda guerra mundial - ou C. Scott, o ator. Talvez por isso Scott tenha sido a escolha perfeita para encarnar o papel título do clássico filme de 1970.
O verdadeiro Patton
O roteiro, escrito por Francis Ford Coppola, venceu o Oscar. Uma das sete estatuetas que o filme levou, além de diretor para Franklin Schaffner e melhor filme. E claro, a de melhor ator para George C. Scott, mas o rebelde ator se recusou a receber o prêmio por achar que ele transforma os atores em "mercado de carne", enquadrando-os como em um molde. Abaixo o momento em que um representante do estúdio recebeu a estatueta no lugar de Scott na premiação em 1971.
Patton começa de cara com a clássica cena do general discursando com uma enorme bandeira dos Estados Unidos no fundo. Ele fala direto ao seus comandados que estão prestes a se lançar em solo europeu durante a segunda guerra mundial, mas os soldados nunca são mostrados. De cara percebemos que o general é pra lá de linha dura.
Linha dura
A trajetória de Patton no exército é uma reta ascendente. Seus pensamentos conservadores e nacionalistas guiam seus ideais e o fazem atropelar todos os mandos e desmandos que recebe, e quase sempre se provam escolhas certas que o levam ao sucesso. Sua companhia - o terceiro exército - avança contra todas as condições contrárias graças a mão de ferro do comandante irredutível e boca dura.
Repeitado e odiado, mesmo entre os colegas de alta patente
Só que Patton também enfrenta problemas, principalmente quando as suas atitudes passam a desagradar os altos comandos do exército. Para eles, a instabilidade emocional de Patton traz mais prejuízos do que benesses, como na cena em que ao invadir a Itália ele se vê preso numa ponte com um morador da região e seus dois burros bloqueando a passagem. Patton tira a arma do coldre, mata os animais e os joga ponte abaixo para que seus homens prossigam viagem.
Lendas dizem que os animais foram mortos de verdade para fazer a tal cena
Nesse ponto o sub-título brasileiro é muito feliz - o cara é um rebelde, mas também um herói e durante todo o filme ficamos nos perguntando em qual momento teremos certeza de qual das características se aplica mais a Patton. Pois é... nenhuma. Ele foi um herói de guerra lutando pelos ideais em que acreditava, mas foi um rebelde que causou inúmeras mortes no jogo sangrento da guerra.
Presença Intimidadora
Patton foi tão vilão e assassino quanto qualquer outro, não importa o quão diferente o nacionalista filme de Schaffner tente fazer ele parecer. Patton fez sucesso entre o público mais conservador, como os velhinhos da Academia que viram na derrocada de Hitler o ponto decisivo na "vitoriosa" campanha militar do general norte americano. Mas boa parte do público naquele final dos anos 60 e começo dos 70, não caía mais de gaiato naquele discurso pró-guerra.
Um discurso pró-guerra que não caiu muito bem naquele período
Ficam as boas cenas de guerra com uma quantidade absurda de figurantes e material cenográfico, além de efeitos práticos que só dão valor ao filme. Sem falar na interpretação de Scott, que não apenas o transformou no exemplo do típico militar durão - assim como R. Lee Ermey depois de Nascido para Matar - mas que levou Scott ao panteão dos grandes atores de Hollywood. Pena que ele não queria nada disso...
TERRA DE NINGUÉM (Badlands / 1974) - A estreia. Em todos os sentidos. Terrence Malick escreveu, produziu, dirigiu e atuou em Terra de Ninguém pela primeira vez. Ele tinha 30 anos de idade e já mostrava ali algumas marcas que levaria pra sempre - o questionamento sobre o estado das coisas, os momentos filosóficos de repensar a própria existência e importância no mundo.
Malick não só dirige como tem um papel relevante no filme
A ideia para o roteiro de Terra de NinguémMalick tirou da vida real - a história é baseada na vida e morte de Charles Steakweather que matava sem critério apelas pelo próprio prazer. Entre o final de 1958 e o comecinho de 1959 ele matou 11 pessoas que cruzaram o seu caminho, inclusive toda a família da namorada, que continuou ao lado dele mesmo depois da matança. Steakweather foi condenado à cadeira elétrica aos 20 anos e baseou, além de Terra de Ninguém, o rapaz do casal protagonista de Assassinos por Natureza.
Kit
Kit (o estreante na telona Martin Sheen, que faria no final daquela década Apocalipse Now), trabalha como lixeiro em uma cidade perdida no meio-oeste dos Estados Unidos. Acaba sendo demitido pelo seu jeitão largado e despreocupado demais. Lembra James Dean. E é isso que chama atenção de Holly (a também estreante Sissy Spacek, que estrelaria pouco tempo depois Carrie - A Estranha) que se interessa pouco a pouco pelo rapaz.
A solitária Holly
O casal começa a se conhecer melhor - ele boca dura, decidido do que quer e ela, menina ainda, tipicamente interiorana, simples e que acaba realizando tudo o que Kit quer. O que irrita o pai da moça. Mas isso não é problema para Kit, que quando vai confrontar o velho depois que ele impediu os dois de se verem, o jovem simplesmente saca uma arma e dispara contra o pai da namorada, que cai morto no chão. Ele bota fogo na casa e foge com Holly, que aceita tudo com estranha passividade.
Em chamas a velha vida fica pra trás
Sem destino certo, o casal pega a estrada e no caminho mata qualquer um que atrapalhe a jornada, sem dó. Holly assiste enquanto Kit executa. Ela não parece entender em nenhum momento tudo o que aquilo representa. Ao todo são cerca de 10 mortes até que a polícia finalmente consegue colocar as mãos no casal.
Matar... uma banalidade pro casal
Durante a jornada de Terra de Ninguém a narração que se ouve é de Holly, o tempo todo, como se tivesse nos contando a história. Tudo no tempo passado, como uma vaga lembrança dela. E ali nada de julgamento sobre as atitudes frias e impiedosas do namorado. Chocam a destreza e a frieza de Kit, que acaba condenado à cadeira elétrica, assim como Steakweather foi na vida real.
O refúgio antes da captura
Uma estreia consistente de Terrence Malick, que fez uma ponta no filme. E em alguns momentos temos aqui aquelas discussões existenciais que Malick tanto gosta como fez em trechos de Além da Linha Vermelha e durante todo o Árvore da Vida.
Zona da mata de Pernambuco. Um cidadezinha não citada é um retrato de pessoas e situações das mais absurdas no que se diz respeito a abuso e violência moral e sexual. Seu Heitor (Fernando Teixeira) é um avô que leva toda semana - mais de uma vez se preciso for - sua neta de 16 anos Auxiliadora (Mariah Teixeira) para ser "apreciada" pelos caminhoneiros num posto de gasolina de beira de estrada. O velho recebe da dona do posto que com essa "atração" recebe mais visitantes.
O avô leva a neta pros fundos do posto
Cícero (Caio Blat) é um jovem bem de vida que estuda no Recife e volta de vez em quando para casa na pequena cidade. Nessas voltas, gasta suas noites e madrugadas com os amigos, principalmente Everardo (Matheus Nachtergaele), bebendo, se drogando e fazendo arruaça. Um dos passatempos prediletos é ir a uma casa de prostituição que tem Dora (Dira Paes) como uma das empregadas.
A casa de prostituição
As histórias é claro, se cruzam. E Auxiliadora que é calada, tímida, fechada e sofre abusos do próprio avô (que dizem que na verdade é o seu pai), acaba sendo abusada por Cícero que com uma arma força a menina ao sexo. Tudo muito cru e com destino cruel pra todos os personagens da trama.
Misoginia
O roteiro de Hilton Lacerda - o mesmo de Baile Perfumado, Amarelo Manga e Árido Movie -, a direção de Cláudio Assis e os atores fenomenais fizeram de Baixio das Bestas um filme premiado em festivais em Paris, Rotterdam e Brasília. A fotografia belíssima que mistura o árido, seco com os verdes campos de cana de açúcar são outro destaque do filme.
Bela fotografia
Baixio das Bestas choca porque se propõe a isso desde a primeira cena que mostra o avô despindo a neta no fundo de um posto de gasolina. Não é um filme fácil. Dá nojo de cada um dos personagens. O de Matheus Nachtergaele em determinado momento, quebra a quarta parede e diz olhando pra câmera: "no cinema tu pode fazer o que queres." A misoginia explícita em vários momentos rebaixa Baixio das Bestas a um filme que poderia ir além sem ir tão fundo.
"No cinema tu pode fazer o que tu queres"
Mas como o intuito é chocar vale então enfiar cabo de vassoura no ânus da prostituta... vale ver a neta tocada por caminhoneiros imundos... vale chutar a cabeça da mulher que se negou ao prazer anal. Mas agora sem ironia... será que vale mesmo? De qualquer forma vale como retrato da realidade que escancara e ela nem sempre é doce como cana de açúcar.
SPARTACUS (1960) - Grandiosidade. Quando se junta Stanley Kubrick, Dalton Trumbo e Kirk Douglas não dá para se esperar outra coisa. O projeto para lá de ambicioso foi todo produzido na década de cinquenta e tem mesmo um pé naquela época, mas só foi lançado no comecinho da década seguinte. Foi ignorado nos principais prêmios da Academia, levou um de ator coadjuvante, figurino, fotografia e direção de arte. Levou também o Globo de Ouro de melhor filme dramático. E só. Merecia mais.
Escravo de destaque
Spartacus é um escravo do Império Romano. Trabalha dia e noite junto com outros tantos. Mas ele tem algo a mais. Não leva desaforo dos guardas romanos, está sempre com aquele olhar desafiador e não dá à eles o prazer do grito, do choro de dor. Se destaca e por isso mesmo acaba sendo vendido para um treinador de gladiadores, junto com outros tantos.
Uma verdadeira arma de guerra
E passa a lutar com outros escravos até a morte em uma pequena arena. A alta casta de Roma assiste a tudo lá de cima e vibra como uma partida de futebol. Em uma dessas lutas, logo em sua primeira, Spartacus é derrotado. Mas no momento em que será morto, o escravo vencedor se revolta e joga o tridente - arma que usa no combate - contra os romanos. Tenta pular a grade e acertá-los pessoalmente, mas logo é impedido e morto pelos guardas.
A luta pela vida
Spartacus, então se transforma em um grande líder dos demais escravos. E lidera uma rebelião, onde todos escapam e fogem pro campo. Lá montam uma pequena cidade com suas mulheres e crianças e aos poucos a vida começa a caminhar para os escravos, pela primeira vez livres. Mas Spartacus não descuida de seguir treinando os seus companheiros, já que ele acredita que um contra-ataque do Império Romano é eminente.
Kubrick no set
Dito e feito. Mas antes... Intermission. É, Spartacus é um filme longo, tem quase três horas e vinte, e por isso, como era costume nos grandes épicos daquela época, o filme tinha uma interrupção no meio, onde a plateia podia levantar, tomar uma água e só depois de alguns minutos o filme era retomado. Seguindo Seguindo com o filme.
O senado romano
Nessa segunda parte, o Império Romano acaba por achar o paradeiro dos escravos. Eles querem saber qual dos homens ali é Spartacus, ninguém se pronuncia. Então eles vão crucificando um por um os escravos para que todos que passem vejam o que acontece com quem desobedece o Império Romano. Por fim, Spartacus e Antoninus, que se tornaram grandes amigos naquela jornada, são os que sobram e devem duelar até a morte, o outro será crucificado.
Cenários grandiosos
O sucesso foi estrondoso. Custou meros doze milhões de dólares e arrecadou sessenta. Kubrick, que sempre traz uma assinatura muito própria em cada um dos seus longas, entrega um Spartacus sem as suas grandes marcas próprias. E isso tem uma explicação - Anthony Mann começou a rodar o filme, mas desentendimentos com Kirk Douglas fizerem com que ele fosse substituído por Kubrick, que já havia trabalhado com Kirk recentemente em Glória Feita de Sangue.
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