PECADORES (2025)

PECADORES (Sinners / 2025) - Tive que assistir 2 vezes. Confesso que, nas duas tive a mesma dificuldade: o ritmo lento na primeira hora do filme, que parece não levar a nada. E quando pega no breu é uma sanguinolência desvairada, com surpresas, reviravoltas, estacas e tudo isso... tudo que se espera de um filme de vampiro. Mas Pecadores, de Ryan Coogler, quer ser mais. Quer discutir pertencimento, herança, apagamento.

Os irmãos gêmeos Smoke e Stack (ambos vividos por Michael B. Jordan) voltam de Chicago cheio de dinheiro e na terra natal tem um plano ambicioso de comprar um celeiro para transformá-lo em um local de celebração da cultura negra, com bebida e muita dança. O problema é que o filme se passa em 1832 no sul dos EUA, lugar marcado pelo racismo, segregação e perseguição aos negros.

Durante um bom tempo da primeira metade do filme, os irmãos vão de carro de ponto a ponto recolhendo pessoas que podem ajudar nessa missão: o tocador de banjo (que é primo deles), o cara fortão que se torna segurança do lugar, o cara que toca gaita na estação, o casal chinês que cuida do mercadinho para servir bebidas e assim vai. Isso toma mais tempo do que deveria e deixa o filme bastante arrastado.

Aos poucos vai pegando no breu e engata, principalmente à partir do ponto em que vampiros aparecem para tomar aquela região como sendo deles, atacando o maior número de pessoas possível naquela área. Até que chegam ao celeiro, que naquela hora já está em festa com música e dança rolando na madrugada. Não fazer uma relação com Um Drinque no Inferno aqui é impossível, mas no filme dirigido por Robert Rodriguez e escrito por Tarantino, não parece haver subtexto - é tudo sobre vampiros que tendam destruir uma noite numa bodega qualquer afastada de tudo e de todos. E é maravilhoso por sinal...

Em Pecadores não. É a perseguição e tentativa de apagamento, primeiro dos indígenas que eram os "donos" da terra e são tratados como nada em uma ínfima participação no meio filme. Depois dos negros que "ousam" se alegrar e festejar numa região onde tanto já lhes foi tirado. Esse subtexto não é claro, fica escondido nas entrelinhas.

Pecadores se tornou o filme com o maior número de indicações ao Oscar na história, com 16. É festejado, ovacionado e aplaudido por muitas plateias e críticos por aí. Tem a sua importância, é inegável a relevância do texto e do subtexto que traz, do talento de Michael B. Jordan e do Coogler, dos símbolos escondidos e tudo mais. Mas a mim, não pegou. Não é ruim, mas falta muita coisa para se tornar bom. 

Veja abaixo o trailer de Pecadores:  

UMA BATALHA APÓS A OUTRA (2025)

UMA BATALHA APÓS A OUTRA (One Battle After Another / 2025) - Paul Thomas Anderson está de volta em mais um filme quase épico, grandioso, com uma história que mistura drama pessoal, ternura familiar e revolução. E, se tem alguém que pode fazer essa salada dar certo, é ele. 

O filme começa com um prólogo eletrizante, mostrando um grupo de revolucionários agindo contra a polícia que prende e persegue estrangeiros na fronteira dos Estados Unidos com o México. Todo o paralelo com a realidade atual não é coincidência. Esse início é muito enérgico, impactante, bem sonorizado — e tem na personagem Perfidia Beverly Hills (Teyana Taylor) sua grande força motriz. Ela é a grande revolucionária: líder do grupo que tem Bob (Leonardo DiCaprio) como seu principal parceiro. Teyana tem pouco tempo de tela, mas mesmo assim foi bastante reconhecida na temporada de premiações. E com muitos méritos.

Depois do prólogo, o filme avança alguns anos no tempo, acompanhando Bob  como um pai que cria sozinho sua filha adolescente. A partir daí, Uma Batalha Após a Outra torna-se um filme sobre consequências: tudo o que foi feito no passado volta para cobrar seu preço. Bob precisa enfrentar seus demônios, superar o vício em álcool e drogas e buscar uma aproximação com a filha, com quem enfrenta um certo afastamento emocional. 

Sergio (Benício Del Toro) é o professor de caratê dela e por trás desempenha um papel importante na proteção de estrangeiros ilegais. O papel é pequeno, mas importantíssimo pra trama. Ele tem a segurança e a tranquilidade que falta à Bob na lida com os agentes da imigração. Del Toro é seguro, engraçado e domina as cenas onde aparece. 

Na outra ponta dessa história, está Steven Lockjaw, vivido por Sean Penn. É um militar de carreira, um coronel de alta patente, que impõe terror no jeito de falar, no jeito de andar e no olhar. E, por conta de algumas situações no passado, ele busca Bob por todos os lados para limpar a própria barra. E Penn nasceu para esse tipo de papel e, mais uma vez, está excelente. Talento do texto de Paul Thomas Anderson - que escreveu e dirigiu o longa, e da interpretação magnífica de Sean Penn. 

Uma Batalha Após a Outra é inspirado num livro de Thomas Pynchon, o mesmo autor de O Vício Inerente, e como disse, dialoga demais com a atual situação no território estadunidense, onde imigrantes (ilegais ou não) estão por todos os lados, desempenhando diversos papeis de muita importância na sociedade. É um épico atual, que cutuca, incomoda, não para por 1 segundo e que definitivamente não faz feio na filmografia absurda do diretor, que já entregou Boogie Nights, Sangue Negro, Magnólia e Licorice Pizza entre outros. 

EUROPA (1991)

EUROPA (1991) - Muito difícil sair indiferente depois de um filme de Lars Von Trier. Sonho, surrealismo e realidade cruel são elementos que o cineasta dinamarquês usa com maestria. Em Europa, ele se arrisca tocando em uma ferida ainda aberta na Alemanha e na Europa como um todo: a Segunda Guerra Mundial. 

Kessler é um norte americano que está na Alemanha no ano de 1945, logo após a guerra. A Alemanha é um país em frangalhos, buscando se remontar, mas ainda sangrando com os efeitos do combate. Tudo ali é devastação. E Kessler, ao ser perguntado o que está fazendo ali, ele diz: “quero fazer o bem para este país, alguém precisa fazer isso”. Ele acompanha o tio numa viagem de trem e acaba sendo contratado como condutor dos trens. 

Ao longo do filme, ele se envolve com Katharina, filha do dono da companhia, e acaba sendo envolvido num ambiente de conflitos políticos, especialmente com um grupo terrorista, formado por nazistas remanescentes.   

O longa é quase inteiro filmado em preto branco, o que aumenta crucialmente o nível de crueldade da história. Em alguns momentos e com alguns personagens, Trier usa cor, meio que para descolá-los daquela realidade e aproximá-los à nós, espectadores. São escolhas pontuais mas que aumentam a dramaticidade de Europa.

Uma voz em off, gravada por Max Von Sydow, conduz as ações de Kessler, meio que narrando o que acontece e servindo até como guia para quem assiste.

Europa tem parte importante na formação de Trier como cineasta, tendo concorrido a 3 prêmios no festival de Cannes daquele ano. Mas assisti-lo não é uma experiência fácil, algo comum nos longas de Trier. E, eu diria sem medo, que é impossível compreender todos os elementos e os simbolismos que aparecem em cena, até porque são muitos. Ele é um mestre em esconder esses significados aqui e ali. São coisas que agregam ao filme, mas exigem que ele seja assistido com bastante atenção e certamente, mais de 1 vez. É um filme difícil e que exige demais de quem assiste. 

Veja abaixo o trailer de Europa. 

O MAL QUE NOS HABITA (2023)

O MAL QUE NOS HABITA (When Evil Lurks / Cuando Acecha La Maldad / 2023) - Não é de hoje que o gênero do terror é usado e reusado de diversas formas diferentes. Ele quase sempre se retroalimenta reciclando fórmulas, monstros, desafios, os mesmos vilões, os mesmos problemas e as mesmas soluções. Por isso é tão importante quando um filme traz algo novo, traz um frescor, traz algo que deixa aquele gosto de novidade. É o caso de O Mal que nos Habita, filme de terror argentino que já entra na lista dos queridinhos do gênero para muita gente.

O filme se passa no fim do mundo da Argentina, num ambiente rural, onde um homem é possuído pelo demônio. Mas ao contrário do que normalmente se espera de uma situação dessa, que já foi contada em diversos filmes, o homem está literalmente apodrecendo, extremamente gordo, como uma grande bola de pus, com o olho fechado, bolhas pelo corpo, agonizando, mal consegue se falar e não se mexe. Quando os vizinhos, dois irmãos - Pedro e Jimmy - chegam perto para tentar dar um jeito na situação, a mãe do possuído diz “Não use arma de fogo, é isso que espalha o mal”.

Eles fogem dali e vão buscar a ajuda do dono do terreno que decide levar o rapaz embora, pensando que afastando o possuído o mal vai embora. Em uma cena arquitetada para causar nojo e repulsa, eles movimentam o gordão para cima da caminhonete e dirigem centenas de quilômetros. Uns 300 quilômetros a frente, perdem o controle da direção e o possuído cai do transporte mas ninguém percebe e seguem viagem.

O diabo toma o corpo de um bode e o sono, percebendo algo ruim dá um tiro no animal. Poucos segundos se passam e esposa do atirador lhe dá uma machadada certeira na testa e na sequência ela mesmo se acerta, tirando a própria vida e do bebê que carrega. Isso é só uma amostra do que a mente doentia do diretor e roteirista Demián Rugna imagina para o longa. Daí para frente é só para baixo. 

Assim como no terror farofa "Possuídos" (1998), com Denzel Washington, o mal não tem cara, não tem corpo, cheiro, nada. Ele apenas se movimenta pelas pessoas e animais, fazendo com que eles ajam de uma forma que jamais agiriam antes.

O Mal que nos Habita rapidamente foi alçado ao posto de um dos melhores filmes de terror de 2023, ano do seu lançamento. Muito por conta do frescor que traz ao subgênero de possessão demoníaca. Aqui, a possessão demoníaca é tratada como uma grande pandemia.

É interessante ver como o longa de Rugna, escala o terror quase que sem pausa. É como se o filme te levasse por uma escadaria, e degrau a degrau, cena a cena, sequência a sequência, você fosse descendo cada vez mais profundamente. Não há parada, não há corrimão, não há olhada para trás.

As cenas são cruéis, feias, cruas, duras e muito chocantes. E aqui não há aquela preparação para as mortes óbvias, como nos grandes filmes do cinema norte-americano, por exemplo. Aqui não tem preparo — você é pego de surpresa a todo momento.

Veja abaixo o trailer de O Mal que nos Habita.

ANORA (2024)

 

ANORA (2024) – Sean Baker mostrou em 2017 com Projeto Flórida que sabe contar uma história. Ou pelo menos impactou muita gente... com um olhar realista, voltado para pessoas os menos favorecidos, os esquecidos das grandes cidades. Uma trama crua mas sensível. Aqui em Anora, mais uma vez Baker aponta sua lente pra pessoas que não se costuma dar voz e, mais uma vez, abusando do seu olhar realista.

Anora é uma garota de programa que trabalha em uma boate dançado e levando clientes paras salas privadas. Numa dessas noites ela conhece Ivan, um jovem de 21 anos, russo, que mal fala inglês. Rola uma química entre os dois, principalmente depois que ele convida a jovem pra casa dele... uma grande e luxuosa mansão. Ivan diz que os pais moram na Rússia, e nos EUA ele só tem poucos amigos e alguns capangas dos pais que o ajudam a sair de encrencas.

O relacionamento ganha corpo. Eles vão pra Vegas e Ivan se declara para Anora. Se casam. É a saída que ela jamais havia pensado, tirou a sorte grande. Vai sair de uma vida difícil, da pequena casa que divide com a irmã, e viver uma realidade de sonho, onde dinheiro é a menor das preocupações.   

Mas antes mesmo de tudo isso começar a se realizar, começam os problemas. Os capangas dos pais de Ivan ficam sabendo do casamento e rapidamente vão à mansão para cancelar aquela história toda. Ivan fica desesperado quando fica sabendo que seus pais estão à caminho dos EUA para saber sobre essa história do casamento. Obviamente não vão gostar, ele conclui. Ivan então, larga a esposa pra trás com os capangas e foge pela cidade.

O filme entra numa espécie de caça à Ivan. Naquela noite e madrugada adento, os capangas percorrem a cidade, cada restaurante, cada bar, cada danceteria, atrás de Ivan. O objetivo deles é anular o casamento e para que isso aconteça, eles tem que levar Anora junto. Ela segue à contragosto, irritadíssima, embora com a esperança de que ao falar com o marido tudo vai se resolver, e eles vão seguir na vida que escolheram.

Anora é um filme interessante com uma história curiosa, mas nada além disso. É uma tentativa de história de Cinderela (ou de Vivian Ward, de Uma Linda Mulher) que naufraga antes mesmo de começar. Diferente de Projeto Flórida, em Anora a gente não consegue se importar com o destino de nenhum personagem. E isso é um grande problema porque fica difícil criar uma conexão, principalmente com Anora.

Veja abaixo o trailer de Anora.

 

ARMADILHA (2024)

 

ARMADILHA (Trap / 2024) – Poucas vezes (e me arrisco até a dizer nenhuma vez), Shyamalan foi tão acertado na escolha do título de um dos seus filmes. Porque esse filme, protagonizado por Josh Hartnett, não passa disso... uma verdadeira armadilha. Inclusive, o cineasta passa aqui a assinar sem o “Night”, apenas como M. Shyamalan. Talvez para dar um novo rumo à carreira e deixar claro que não é preciso esperar aqui uma grande reviravolta no final, característica básica de muitos dos seus filmes. Em Armadilha, Shyamalan escolhe explorar mais o clima de suspense por toda a trama. Cooper (Hartnett) leva sua filha de uns 15 anos para um show de uma cantora adolescente num ginásio abarrotado, no melhor estilo Taylor Swift. E ele se impressiona pela gigantesca quantidade de policiais espalhados por todos os cantos da arena, na frente das portas e em todas as saídas. Os policiais estão à procura de homens de meia idade que seriam o provável assassino em série, que eles descobriram que estaria naquele show. Cooper acompanha o show com a filha, mas fica sempre ligado em tudo o que acontece ao seu redor e quando sai da cadeira para ir ao banheiro ou andar pelos bastidores, percebe que os policiais estão fechando o cerco e de forma até violenta sobre os suspeitos. Esse é o plot básico do filme e prefiro não me estender muito além disso, para deixar algumas surpresas para quem escolher assistir essa birosca aqui. O que posso dizer é que é tudo muito fraco, sem nenhuma virada ou solução inesperada. Pela preguiça do roteiro e diria até pela pobreza da execução, Armadilha é de longe, pelos menos pra mim, o pior filme de Shyamalan. E olha que ele tem acumulado uma série de bombas nos últimos anos. Veja abaixo o trailer de Armadilha.

OS 12 MACACOS (1995)

OS 12 MACACOS (12 Monkeys / 1995) – Longe dos anos de Monty Python, Terry Gilliam montou uma bela carreira como cineasta. Com obras sempre beirando o absurdo, com cenário surrealistas e enredos bem longe do convencional, Gilliam conquistou fama e status de cineasta cult. Brazil, O Filme, seu cartão de visitas, arrebatou público e crítica. Medo e Delírio em Las Vegas foi bem isso... um baita delírio, mas nada empolgante. O bom O Mundo Imaginário do Dr. Parnassus ganhou fama por ser o último filme de Heath Ledger e conta com elementos que aproximam o seu cinema com o universo do Monty Python. Mas foi com Os 12 Macacos que ele ganhou o respeito geral.

James Cole (Bruce Willis) é um viajante no tempo que vem do ano de 1997 para o ano de 1990. Ele vem de um mundo onde cinco bilhões de pessoas morreram por conta de uma gripe estranha. A sua missão é voltar 7 anos no tempo para impedir que o vírus se propague. Cole é tido como louco e acaba internado num manicômio.

Lá ele conhece Jeffrey Goines (Brad Pitt), um cara cheio de tiques, o que dá palco para Pitt demonstrar todo seu talento. Ele ganha a cena toda vez que aparece. Pela interpretação, ele levou o Globo de Ouro e concorreu ao Oscar de melhor ator coadjuvante (perdeu para Kevin Spacey por Os Suspeitos).

A psiquiatra do manicômio, vivida por Madeleine Stowe, fecha o trio principal. Ela flutua entre as pessoas do "futuro" que desconfiam que a história contada por Cole é real ou imaginária. Vive na dúvida.

Os 12 Macacos não é um filme fácil, é necessário assistir algumas vezes para se pegar cada detalhe do roteiro maluco criado por ter Gilliam. É um filme de camadas, de cenas desconexas que se juntam, que ficam para trás mas que fazem toda a diferença lá na frente. É, talvez, muito superior a tudo que o Gilliam já tinha feito até então no cinema. Não à toa é apontado como uma das obras-primas do diretor.

Veja abaixo o trailer de Os 12 Macacos.

LÚCIO FLÁVIO - O PASSAGEIRO DA AGONIA (1977)

LÚCIO FLÁVIO - O PASSAGEIRO DA AGONIA (1977) - Era tudo, de certa forma, recente. O bandido Lúcio Flávio foi morto em janeiro de 1975 e o escritor José Louzeiro transformou a vida dele em livro naquele mesmo ano, tendo como base reportagens e entrevistas dadas por ele aos jornais. Hector Babenco viu ali um grande potencial e transformou o livro em filme, lançado dois anos depois, em 1977.

O longa, que é o segundo dirigido por Babenco, tem Reginaldo Faria na pele do criminoso de olhos claros e QI elevado, como diziam, os jornais da época. Lúcio começou na vida do crime roubando carros, depois passou para lojas de jóia e por fim, bancos. Cometeu crimes em Brasília, Minas Gerais, São Paulo e principalmente, no Rio de Janeiro. Foi preso diversas vezes e escapou da prisão em 34 oportunidades. E isso tudo graças à corrupção instaurada na polícia carioca da época. Lúcio e os policiais corruptos trabalhavam lado a lado. Sua frase mais famosa dita em uma das suas entrevistas: "Policial é policial e bandido é bandido. São como azeite e não se misturam".

E foi justamente numa dessas entrevistas que Lúcio falou demais. E começou a delatar policiais de alta patente que estavam mantendo ele vivo, patrocinando seus crimes e claro, levando um por fora. Acabou morto por um colega de cela, no meio da noite. Até hoje, a principal suspeita é de queima de arquivo. Lúcio Flávio, que tinha 31 anos, sabia demais. 

Lúcio Flávio - O Passageiro da Agonia cria um ambiente angustiante, já que o cerco parece se fechar à cada minuto sobre Lúcio. Ele, vivido por um Reginaldo Faria inspiradíssimo, parece estar sempre fugindo, com a polícia (pelo menos a parte não corrupta, vivida aqui por Milton Gonçalves) em seu encalço. O policial corrupto que ajudava Lúcio e ganhava algum por fora é vivido por Paulo César Pereio. O longa tem ainda participações de Stepan Nercessian e Grande Otelo.

Babenco, que é argentino, veio para o Brasil ainda nos anos 60 e por aqui ficou, dizendo que o ambiente aqui era mais fácil e propício para contar as histórias que queria. Ele sempre gostou de contar histórias retratando a força excessiva da polícia contra minorias, principalmente tendo o presídio como cenário (algo que acontece em obras como Carandiru, O Beijo da Mulher Aranha, Pixote - A Lei do Mais Fraco, e nesse Lúcio Flávio - O Passageiro da Agonia). 

Um filme muito bom que ganhou uma nova roupagem recentemente, com remasterização de som e novo tratamento de imagem, que deixa a cinebiografia de Hector Babenco ainda mais completa e rica.

Veja abaixo uma das cenas de Lúcio Flávio - O Passageiro da Agonia.       

TIPOS DE GENTILEZA (2024)

TIPOS DE GENTILEZA (Kinds of Kindness / 2024) – Dificilmente alguém ache algo convencional em uma obra escrita e dirigida por Yorgos Lanthimos. A sua principal característica é sempre ir na contramão disso e causar desconforto tirando o espectador do prumo, do rumo. Assistir um longa dele é como passear numa montanha russa no escuro, nunca se sabe onde é a chegada e como vai ser a jornada. Em A Favorita, Lanthimos experimentou o mais próximo do que se pode chegar de um trabalho mais tradicional, mesmo assim tem umas maluquices do diretor aqui e ali. Pobres Criaturas é de longe o seu maior sucesso comercial e chegou até a fazer barulho na premiação do Oscar daquele ano, apesar da abordagem nada convencional da sua personagem principal feminina.

Em Tipos de Gentileza, Lanthimos experimenta ainda os louros do seu último sucesso comercial, entregando uma obra que visivelmente traz mais investimento que alguns filmes anteriores. Mesmo assim, aqui Lanthimos está muito menos bizarro e mais comedido. Pra quem conheceu o trabalho do diretor por Pobres Criaturas e A Favorita, esse filme parece bizarro. Mas para quem conhece ele de Dente Canino e O Sacrifício do Cervo Sagrado, ele está normalzinho e contido até demais.

Tipos de Gentileza conta três histórias, com o mesmo grupo de atores, vivendo diferentes personagens. Na primeira história (a melhor), um homem (Jesse Plemons) é totalmente comandado por ser chefe (Willem Dafoe) que lhe diz ate o horário que deve almoçar, se deve emagrecer ou não, é a que horas deve fazer sexo com a esposa. A relação tóxica de dependência piora quando o homem tenta quebrar esse ciclo.

A segunda história fala de uma mulher (Emma Stone) que está desaparecida em alto mar para desespero do seu marido (Plemons) que não tem notícias. De repente ela aparece, mas o marido desconfia que aquela pessoa não é sua mulher e sim uma impostura muito parecida. Até que ele passa a ter uma ideia bizarríssima para fazer com que aquela mulher prove que é a sua verdadeira esposa.

E a última história fala de um casal (Plemons e Stone) que faz parte de uma seita regada à sexo e que o líder (Willem Dafoe) e sua esposa, pretende trazer cadáveres de volta à vida. Loucura total, com uma boa dose de humor não intencional e situações bizarras. 

O único problema de Tipos de Gentileza como um todo é o bendito do filme episódico. Difícil se envolver em um filme assim, porque as ideias não têm tempo de serem bem desenvolvidas. Quando a gente começa a se envolver, ela acaba.

De qualquer forma, mesmo com mais investimento, Lanthimos não abandonou suas origens do bizarro e conseguiu o que queria. Jesse Plemons, Willem Dafoe e Emma Stone estão geniais, principalmente Stone que tem mudanças sutis que deixam seus personagens ainda mais ricos.

Não é de hoje que Lanthimos se transformou num dos mais importantes cineastas em atividade e continuará sendo... só espero - e torço profundamente - para que ele nunca abandone a sua origem. 

Veja abaixo o trailer de Tipos de Gentileza.

SUSPIRIA (1977)

SUSPIRIA (1977) – Dario Argento foi um cineasta italiano que ganhou notoriedade por seus filmes de terror extremamente gráficos e até certo ponto, inovadores quando lançados. Seu nome está sempre no hall dos grandes cineastas do gênero, criador de histórias que flertam com o ocultismo e o sobrenatural. Suspiria é um desses filmes. 

A história se passa na Alemanha em uma escola de dança muito conceituada e cheia de professoras exigentes. Suzy chega numa noite de temporal e se assusta quando vê uma outra menina gritando algumas palavras sem sentido e saindo da escola aos berros, desesperada. Suzy entra, sem entender nada e conhece as outras bailarinas. Começa aquele jogo de vaidades entre as dançarinas. 

Rapidamente já somos apresentados ali a alguns elementos que mostram que tem algo errado com aquela escola e com as pessoas que a administram. O sobrinho da dona é uma figura bizarra, assim como a senhora que toma conta dele e o assistente geral da escola, que é feio, grande e nem fala o idioma local, parece mais um Frankenstein. Inclusive é ele quem serve, diariamente, as refeições para as alunas, uma comida estranha e uma bebida mais ainda. 

A decoração interna da escola é colorida, com um vermelho intenso, iluminação de luzes de neon e desenhos pesados que misturam vários estilos de arquitetura. Tudo indicando que a escola existe naquele prédio há centenas de anos. Suzy sofre, dia após dia, com desconfianças de que aquele lugar é muito mais do que aparenta. E aos poucos ela vai descobrindo a natureza de todo aquilo. 

Argento cria um clima de suspense constante, por mais que ele utilize as mesmas salas como cenário, a cada momento ele usa a câmera de um ponto de vista diferente. Por isso, a todo momento, nos vemos numa “sala nova” e daí a sensação de que o lugar é completamente estranho. Impossível se sentir à vontade ali e o incômodo é constante. O medo do desconhecido e a fragilidade da realidade são as grande forças de Suspiria.

Veja abaixo o trailer de Suspiria.

AINDA ESTOU AQUI (2024)

AINDA ESTOU AQUI (2024) - Poucas vezes desde a retomada do cinema nacional, à partir da metade da década de 90 mais ou menos, se viu uma campanha tão absurda por um filme nacional nos festivais de cinema mundo afora. Também poucas vezes se viu uma união de nomes tão significativos e importantes da nossa cultura juntos em uma história que tem muitos elementos que o credenciam entre os mais importantes lançamentos do nosso cinema. Ainda Estou Aqui é tudo o que se diz, e até mais, independente de como seja a sua carreira no ciclo de premiações.

O longa dirigido por Walter Salles é dividido em 3 atos. O primeiro, e mais longo, se passa em 1970 no Rio de Janeiro. Eunice (Fernanda Torres) e Rubens Paiva (Selton Mello) vivem num casarão confortável de frente pra praia com os 5 filhos – 4 meninas e 1 menino. Nesse trecho, somos apresentados à todos esses personagens e como são unidos e vivem felizes... sejam disputando partidas na mesa de pebolim, indo na sorveteria, escutando disco e dançando na sala ou brincando com o cãozinho da família.

O tom começa a mudar drasticamente com as notícias dos sequestros de embaixadores estrangeiros no país. Naquele período, dois haviam sido sequestrados e o exército, aos poucos, vai tomando conta das ruas. Iniciava-se ali o período mais pesado e repressor da ditadura militar de Médici. E Rubens se torna um alvo e acaba levado para prestar um depoimento. A história real é baseada no livro Ainda Estou Aqui do filho, Marcelo Rubens Paiva.

Com om decorrer do longa, Eunice cresce de uma forma absurda, já que precisa tomar conta da situação. E Fernanda Torres está incrível, por entregar uma interpretação de uma mulher forte e segura, mas ao mesmo tempo sóbria. Ela não quer – e nem se dá ao luxo de – demonstrar fraqueza diante dos desafios que se apresentam na busca pelo marido e na criação dos filhos. Aqui não há espaço e nem necessidade de melodrama barato. Walter Salles – que já havia trabalhado com Fernanda em O Primeiro Dia e no ótimo Terra Estrangeira – escolhe não fazer uso desse recurso barato. E nem precisa. Já que a própria situação em si tem a força emotiva que o filme precisa.

Ainda Estou Aqui é pontuado não apenas por momentos de silêncio doído, como também por uma trilha brasileira sensacional... Caetano, Gil, Gal, Tom Zé, entre outros. O longa é cheio de momentos de emoção – muita gente soluçava de chorar na sala de cinema – e tudo ganha ainda mais importância no trecho final, próximo dos créditos com as fotos da família reunida, retratando o que longa havia acabado de mostrar. Difícil não se emocionar e não se pegar pensando naquela história mesmo ao final. 

Um filme cheio de elementos que precisam ser digeridos, afinal o melhor jeito de evitar que a ditadura militar volte é justamente falando sobre ela. E é difícil imaginar como uma personagem, uma mulher e uma mãe tão forte como Eunice Paiva demorou tanto para ter a sua história retratada no cinema. Finalmente aconteceu e com o devido reconhecimento que merece.

Veja abaixo o trailer de Ainda Estou Aqui.

A BATALHA DO BISCOITO POP-TART (2024)

A BATALHA DO BISCOITO POP-TART (Unfrosted / 2024) – Depois de fazer Fortuna (com "F" maiúsculo mesmo) na série de TV dos anos 90 que leva seu nome, Seinfeld preferiu pisar no freio e curtir a família e os inúmeros carros que tem em sua coleção. Mas nunca saiu dos holofotes e acabou assinando um acordo com a Netflix, o que gerou alguns especiais de comédia (nada inspirados), um bem sucedido programa de entrevista (Comedians in Cars Getting Coffee) e esse A Batalha do Biscoito Pop-Tart, onde assina roteiro, produção, direção e é o ator principal. Justo ele que sempre disse nunca ter sido um bom ator... e de fato não é.

O longa se passa no começo dos anos 60. Seinfeld é Bob Cabana, um executivo de alto escalão da Kelloggs, que sempre se cobra e é cobrado pelo chefe (Jim Gaffigan) por cada vez mais novidades, algo para revolucionar o café da manhã dos estadunidenses. E a “guerra” é contra a Post, a empresa concorrente, comandada por Marjorie (Amy Schumer).

A Batalha do Biscoito Pop-Tart é uma comédia leve, pra toda família, e bem sem sal... que conta essa disputa para ver quem lança o melhor e mais popular produto. Com tons exagerados e personagens caricatos, o filme lembra uma disputa da Corrida Maluca, sempre beirando o absurdo. E acho que era essa a ideia mesmo.

A lista de convidados especial é imensa... atores e atrizes do SNL (Bobby Moynihan, Mikey Day, Fred Armisen), do cenário da comédia (Bill Burr, Sebastian Maniscalco), e um punhado de outros grandes nomes (Peter Dinklage, Cedric The Entertainer, Hugh Grant, John Hamm). Melissa McCarthy é um grande destaque e, apesar de amarrada pelo roteiro, aumenta o poderio cômico do longa. 

Pena que Seinfeld quis estrelar, o que acaba atrapalhando um pouco a experiência. Afinal, ele é Seinfeld... e não um ator, então fica difícil embarcar em uma história com ele atuando e ostentando o posto de ator principal.

No final, a experiência de A Batalha do Biscoito Pop-Tart é bem qualquer coisa, apesar do esforço claro da produção de fazer um filme clean, sem palavrões e colorido para agradar adultos e crianças. E fala de um produto, o tal Pop-Tart, que só existe em uns 10 países. Então fica ainda mais difícil embarcar na história. Desafio qualquer um a lembrar algo sobre esse filme depois de 2 semanas. 

Veja abaixo o trailer de A Batalha do Biscoito Pop-Tart. 

SÃO PAULO SOCIEDADE ANÔNIMA (1965)

SÃO PAULO SOCIEDADE ANÔNIMA (1965) – Como fez bem para o então cineasta em formação Luiz Person ter ido à Roma. Na capital italiana, nos idos de 1963, ele experimentaria muito do que a pujante classe cinematográfica do país europeu tinha a oferecer. Ele beberia muito no neorrealismo italiano (Roberto Rossellini, Vittorio De Sica e Luchino Visconti).

Foi em Roma que Person escreveu o roteiro daquele que seria seu primeiro longa metragem – São Paulo Sociedade Anônima. Rodado em 1965, tendo a cidade de São Paulo como um grande personagem, Person chamou os novatos Walmor Chagas e Eva Wilma para os papéis principais. Carlos (Chaga) é um homem na casa dos 20, que busca se estabelecer e ter sucesso – pessoal e profissionalmente – na metrópole. 

Ele começa no controle de qualidade da Volkswagen. Depois muda de emprego e chega à quase sócio de uma empresa de autopeças. Tudo no setor automobilístico, área em que São Paulo explodiu, principalmente entre os anos 50 e 60. E Person escreveu monólogos e pensamentos em off de Carlos que funcionam como pequenas poesias, que mostram ao mesmo tempo a esperança de que qualquer um poderia conseguir um emprego ali, mas também a melancolia e a solidão retratados nos grandes paredões das fábricas, que parecem esmagar e espremer os moradores. A máquina da metrópole mastiga e engole os mais fracos. Tem que ser forte para encarar a metrópole todo dia. E Carlos aos poucos, mostra que não é um deles.

Carlos é flagrado pela lente de Person em grandes e reflexivos monólogos enquanto caminha pelas ruas do centro da cidade. E desde aqueles anos se vê uma São Paulo com grande potencial de evolução. Uma cidade acima de tudo, belíssima, que a lente de Person, de alguma forma, parece a deixar ainda mais bela. O longa, com tudo isso, adquire um charme único. 

As mulheres que passam pela vida do Carlos fazem apenas isso... passam. Com exceção de Hilda, que lhe deixou uma grande memória e Luciana (Wilma), com quem ele acaba se casando no segundo ato.  São poucos os momentos em que Carlos se mostra contente, de expressão aberta. Quase sempre está sisudo e parece guardar algo dentro de si que a experiência na cidade só faz piorar.

O longa tem uma montagem delicada e precisa de Person, que usou técnicas inovadoras para o cinema brasileiro da época. Ele é montado fora de ordem, com cenas que se contrapõe mesmo tendo acontecidos em períodos diferentes. E qual não foi minha surpresa ao me dar conta de que entre a primeira e a última cena do longa não se passaram nem 24 horas?

Genial, maravilhoso e premiado mundo afora, o filme é um retrato da capital paulista que precisa ser visto e apreciado. Veja abaixo algumas cenas do filme São Paulo Sociedade Anônima. 

ANIQUILAÇÃO (2018)

ANIQUILAÇÃO (Annihilation / 2018) – Um filme que representa um vazio gigantesco, com mudanças absurdas e profundas no modo de pensar e ver o mundo. Aquele final que provoca e inquieta, que mais pergunta do que responde. O filme escrito e dirigido por Alex Garland (de Ex-Machina), baseado no livro de Jeff VanderMeer, tem tudo isso e mais, contando com um elenco talentoso e afinado.

Lena (Natalie Portman) vive há 1 ano, de luto. O marido Kane (Oscar Isaac) foi em uma missão militar e não deu notícias. Até que de repente aparece em casa. Mas volta estranho, calado, distante, diferente. Apresenta uma hemorragia interna grave e é internado às pressas. Aniquilação passa então a viajar entre presente e passado para facilitar as motivações e os desafios de Lena, que acaba se voluntariando na missão militar que o marido tentou cumprir e não conseguir. 

Trata-se de uma missão secreta sobre um objeto que entra na órbita da Terra e cai como uma bola de fogo, num farol, na costa oceânica. Forma-se ali um paredão, uma espécie de domo, que aos poucos vai avançando e crescendo. O que há lá dentro? Ninguém sabe. Só se sabe que quem entra não sai. Ou pelo menos, não sai da mesma forma, como Kane.

Lena e outras 4 mulheres encaram a missão. Ela quer saber o que há lá dentro que mudou tanto o marido. O que elas descobrem é que dentro do domo, chamado de O Brilho, nada cresce e evolui como conhecemos. As formas de vida se misturam e influenciam diretamente no desenvolvimento das espécies, mesmo as mais diferentes possíveis. Como plantas que crescem em formatos de seres humanos, um crocodilo que se desenvolve com dentes de tubarão, um cervos que tem chifres de galhos e flores, por aí vai. Esse sentimento de perder o chão do real, confrontar algo fora do comum, assusta. Tira o chão. Cada passo que elas dão dentro do domo surpreende. Qual resposta há por trás de tudo aquilo?

O balé proposto por Garland passa por imagens grotescas, fortes e com toques de terror que pegam de surpresa e assustam. Elementos que fazem de Aniquilação um ótimo suspense, com fortes toques de terror, e que apresenta um desfecho que pede um raciocínio mais profundo do espectador. Por aqui não há nada de resposta fácil e mastigada. 

Veja abaixo o trailer de Aniquilação.

A SUBSTÂNCIA (2024)

A SUBSTÂNCIA (The Substance / 2024) – Sempre dá para ir além. Principalmente quando o cineasta acredita na própria ideia e não existe um grande estúdio ou executivos engravatados para atrapalhar. Certeza que se A Substância tivesse essas duas influências, o resultado não seria tão bom quanto ficou. Fruto da imaginação profunda da festejada cineasta francesa Coralie Fargeat e do seu senso crítico apurado que pretende chocar. Mas não de graça. E sim, para que seja difícil - pra não fizer impossível - apagar essa experiência da memória de quem viu.

Elisabeth Sparkle (Demi Moore) é uma estrela do cinema e da televisão que há décadas apresenta um programa de ginástica na televisão, bem ao estilo Jane Fonda. Elisabeth é bonita e está em forma, sem dúvida, mas acaba ouvindo por acidente que um executivo da televisão, interpretado por Dennis Quaid, quer substituí-la de qualquer jeito, por um mulher mais jovem e atraente. Um processo que certamente a própria Demi Moore, que sempre foi um ícone da beleza, principalmente nos anos 90, viveu e vive hoje na casa dos 60 anos.

E ela acaba descobrindo uma experiência nova e altamente secreta em que injeta um líquido em si mesma e dela “nasce” uma outra versão dela mesma, mais jovem, mais bonita, sem estrias nem celulite. Não é uma outra mulher... é ela mesma, só que numa outra versão. Essa outra versão se chama Sue e é vivida pela atriz Margaret Qualley (Era Uma Vez Em... Hollywood e Pobres Criaturas). Elisabeth topa e inicia o experimento. Uma das regras é que elas não podem estar “acordadas” ao mesmo tempo. Enquanto uma "vive", a outra fica descordada no banheiro. 

Os problemas começam quando cada versão de Elisabeth se torna cada vez mais egoísta e chega à conclusão de que a outra versão dela mesma atrapalha. E daí pra frente... meus amigos, nada nos prepara para o que está prestes a acontecer. E é só isso que posso dizer.  

A Substância é um filme longo, chega perto das 2h30, mas passa voando. E isso porque o ótimo roteiro de Fargeat não prevê núcleos de alivio ou personagens com histórias paralelas. Não! Aqui é o tempo todo focado na história de Elisabeth e nas consequências da experiência. Cada cena faz a trama avançar e o filme nunca estaciona.

Certamente é o tipo de filme da esfera do ame ou odeie. No cinema teve gente que saiu no meio, outras perderam o final. Algumas chiaram nos créditos enquanto outras aplaudiam. Chuto que era exatamente o que Fargeat queria. E conseguiu.

A Substância não é para todos, mas não foge jamais da sua mensagem. Apresenta um mundo distópico, com personagens capazes de tudo para conseguir o que quer. E com forte influência de Kubrick, principalmente de O Iluminado. Impossível não reconhecer esse clássico de Kubrick em uma cena ou outra, seja pelo enquadramento, pela posição da câmera ou pela direção de arte cuidadosa, com destaque para o tapete colorido e as paredes bem vermelhas. Se fosse definir, eu diria que A Substância navega facilmente entre os universos de Kubrick, David Lynch e Cronenberg. Fargeat, que já tinha chamado a atenção com seu filme de estreia, Vingança em 2017, põe agora o pé na porta do cinema... espero, que de forma definitiva.

Veja abaixo o trailer de A Substância.